Performances, musiques, danses, films, installations et rencontres ont été présentés à un vaste public. Au sein de cet espace, artistes d’horizons différents se sont réunis pendant ces trois jours. Nous pouvions déambuler alors entre les œuvres, les prestations et les danses. Il y en avait pour tous les âges et tous les goûts !

L’objectif du festival ? Présenter l’art contemporain dans toute son innovation, son audace et son engagement. En effet, les artistes présents se sont fait les « éclaireurs » de notre siècle, les « philosophes » de notre temps ( pour reprendre les mots de Vittoria Matarrese, commissaire du Festival ). De nombreuses œuvres cette année ont été engagées et notamment sur la question de la place des femmes. L’Art se fait ici un vecteur idéal pour réveiller les consciences et élever notre société.

Parmi toutes ces œuvres, laissez-moi vous présenter celle qui m’a le plus émue. Il s’agit de la Danse de Malaga, vidéo réalisée par Theaster Gates. Ce dernier est un artiste américain et professeur au département des Arts Visuels à l’Université de Chicago.

Pour ce projet, il a travaillé avec les membres du groupe Monks et le chorégraphe américain Kyle Abraham. Dans cette oeuvre sont évoquées des « questions de race, de territoires, d’inégalités et de sexualités dans le nord des Etats-Unis depuis la fin de la Guerre de Sécession » et tout particulièrement sur l’île de Malaga. Celle-ci connut une grande tragédie. Sa population métissée fut contrainte à l’exil pour suivre une politique de purification de l’île. Cette oeuvre se fait alors le porte parole de sa douleur et de sa peine.

La richesse de cette oeuvre réside autant dans son message de justice que dans sa réalisation. La vidéo est présentée par adjonction d’épisodes séquencés. Ainsi, défilent sous nos yeux des chanteurs, danseurs, publicités et passages de la vie quotidienne. Ces messages sont exprimés par l’alternance d’un langage verbal et non-verbal. Lorsque les mots sont épuisés, la photographie et la danse viennent les substituer. Ces morceaux de vidéos nous plongent dans une atmosphère étrange, entre fascination et inquiétude. Voir des mouvements lents et sensibles accompagnés d’un chant a capella révèle toute la sensibilité et l’émotion de l’artiste. La musique fut composée par l’artiste, interprétée par le groupe Monks.

Ainsi, le festival ‘Do D!STURB’ fut une véritable bouffée de création artistique. Je fus enchantée de ces découvertes, de cette ambiance et de cet engagement. Les œuvres furent nombreuses et sensibles à différents sujets. Theater Gates a proposé, selon moi, des œuvres qui méritent toute notre attention. En voici une autre : So Bitter, this course of Darkness, évoquant les ravages que connut cette île.

J’espère que vous aussi, ce festival vous aura conquis, et que vous y retournerez l’année prochaine. En tout cas, moi j’irai sans hésiter !

Image de couverture : Capture d’écran de Dance of Malaga ©Theaster Gates and courtesy of the artist. Photo: Chris Strong

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Rien n’a été laissé au hasard : nos sens ne cessent d’être mobilisés tout au long de cette exposition. Chaque élément scénique fut minutieusement étudié afin de toucher notre sensibilité. Les artistes endossent le rôle du scénographe. L’exposition devient une oeuvre d’art à part entière ! La muséographie y sert de vecteur d’harmonisation mais aussi de contraste entre les différentes oeuvres. Leur installation est qualifiée d’Expollation. Il s’agit d’un « néologisme issu d’une approche novatrice de l’art : mosaïque d’oeuvres individuelles mise en scènes dans un espace architecturé », rapporte Dominique et Hubert Faure (Préface du catalogue d’exposition). Dix-neufs artistes, dix-neufs sujets personnels regroupés sous un refrain commun : celui du «Troublement ».

Après avoir poussé la porte du domaine Montjoie, c’est l’étonnement et le saisissement qui ravissent les spectateurs. Dix-neufs visages de noir et blanc se tournent vers eux. Une multitude de portants carrés sont installés au centre de la pièce. Chacun présentant sur la première face, la photographie de l’artiste et sur les trois autres leurs œuvres. Les spectateurs flânent de portant en portant, d’œuvres en œuvres. L’exposition est immersive, interactive. Au fur et à mesure de leur déambulation, la scénographie évolue : de nouvelles perspectives naissent. Chaque nouvelle diagonale créée fut préalablement étudiée pour une cohésion thématique ou visuelle entre les œuvres. Arrivés au fond de la salle, les spectateurs font demi-tour, remontent l’exposition et adoptent un autre point de vue. Les musiques, ponctuellement ajoutées, créent une atmosphère toute nouvelle à l’exposition.

Présents sur place, les artistes sont à l’écoute des visiteurs. A travers cette exposition, ils souhaitent établir une passerelle entre « l’Art dit Néo-classique et l’Art dit Contemporain ». A cela s’ajoute une volonté de créer un lien entre leurs œuvres et les spectateurs. Lassés d’un art contemporain élitiste, ils veulent s’inscrire dans le champ artistique actuel, tout en proposant un art accessible au public amateur. Ensemble, ils ont monté un projet didactique et proche des sens. C’est cet enjeu qui est exprimé derrière l’intitulé « Troublement ». Cette exposition vient troubler l’art contemporain et son marché.

A cet enjeu collectif, de plus personnels se greffent. Chaque artiste exprime ses propres interrogations. Montjoie devient alors un espace d’ouverture aux différentes cultures, aux diverses sensibilité et visions du monde.

Ainsi, « Troublement » est une oeuvre à part entière : autant esthétique, personnelle que didactique. Le Collectif Facto a relevé le défi d’un mélange équilibré entre individualité et collectif. Si cette exposition vous attire, restez attentif aux actions de cette association. J’ai entendu dire qu’une nouvelle se préparait …

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Crédits photo © Collectif Facto

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⇒ Retrouvez ici la critique du spectacle !

© Umemura Yutaka

Petit point historique : Le théâtre Kabuki a vu le jour sous l’époque Edo (au XVIIe siècle). C’était à l’origine, un théâtre composé d’hommes et de femmes, très prisé par les citadins japonais. Aujourd’hui encore, il s’agit de la forme théâtrale la plus appréciée des nippons ! Les thèmes des pièces jouées illustrent des événements historiques, ou des conflits relationnels. Les codes y sont nombreux et rigoureux : la musique, les costumes et le maquillage si particuliers sont ostentatoires. La machinerie (plateaux tournants, trappes) et les accessoires sont multiples, permettant de véritables effets spéciaux et dynamiques scéniques.

Le jeu des acteurs est remarquable et singulier. En effet, contrastant avec une musique énergique, les acteurs se meuvent lentement sur scène, jusqu’à même se figer dans une pose afin d’ancrer leur personnage.

Le metteur en scène Yuichui Kinoshita s’approprie l’essence du kabuki pour mieux s’en dissocier. Nous dénotons dans la relecture qu’il propose de Kanjinchô, une épuration du style : le décor est inexistant, les costumes sont sobres, le maquillage effacé. Une atmosphère captivante et fascinante se propage dans le théâtre.

L’évasion de Yoshitsune se matérialise, comme le veut la tradition, par une retraite lente, au ralentie. Or celle-ci est contrastée par une musique électro, un jeu de lumière et d’obscurité cinglant. Véritable translation des spectateurs dans une boîte de nuit ! Voilà un nouvel adjectif pour décrire cette oeuvre : « décalée ».

Prenons un exemple. Au point culminant de la pièce, Benkei frappe, malgré lui, son maître, pour accréditer la ruse qu’il a mis au point. Ce dernier, ému par son sens de la dévotion, le lui pardonne. Néanmoins, le serviteur mortifié par son geste n’ose même plus serrer la main bienveillante de Yoshitsune. Cette scène de réconciliations est rythmée par une musique juvénile de Pop où les autres acteurs rappent. « Si un jour je me réincarne, je voudrais que ce soit en te tenant la main » signe la fin de la chanson. Ainsi une musique naïve parlant d’un amour contrarié de jeunesse devient le porte-parole des difficultés relationnelles et hiérarchiques au sein de la société japonaise.

Dans la pièce traditionnelle du Kinoshita Kabuki, Togashi, le garde-frontière, laisse la troupe passer la frontière, admiratif de l’ingéniosité et de la dévotion du serviteur. L’accent est porté sur le trio Benkei, Yoshitsune et Togashi. Alors que dans la relecture contemporaine, nous pouvons constater un roulement de l’attention sur les moines de Yoshitsune et les soldats de Togashi. Ainsi, les personnages secondaires deviennent principaux. Yuichui Kinoshita joue d’une grande ingéniosité pour mettre ce nouveau groupe en évidence.

Cinq mêmes acteurs jouent à la fois les moines et les soldats ennemis. De cela découle une rythmique horizontale entre les camps : les acteurs courent d’un campement à l’autre pour continuer la scène. L’illusion théâtrale est rompue, les acteurs multiplient les personnalités : tantôt moine, soldat, ou acteur. Ce décentrage permet ainsi de voir les enjeux frontaliers sous un autre angle. En effet, une même scène peut être répétée plusieurs fois, afin d’en avoir une vision complète. Le spectateur se fait omniscient, connaissant la position des gardes-frontière et de Togashi, ainsi que celle des moines et de Yoshitsune.

Ainsi, cette oeuvre hybride, sérieuse et espiègle m’a beaucoup émue. La gravité de la pièce, scandée par des touches humoristiques, n’en est pas amoindrie. Kanjinchô est une oeuvre qui questionne la société, le théâtre et les relations sociales. Une grandiose pièce qui a bouleversé mon expérience théâtrale…

Si vous avez eu la chance d’y assister, n’hésitez pas à nous partager votre ressenti. Nous nous ferrions une immense joie de vous lire !

Image de couverture © Umemura Yutaka

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Synopsis : Soupçonné de trahison par son frère, Yoshitsune fuit avec son fidèle serviteur Benkei et sa troupe vers le nord du Japon. Pour passer inaperçus, ils se déguisent en moines tandis que le garde-frontière Togashi reçoit l’ordre de les capturer. Arrivés à la frontière, Benkei invente un stratagème qui lui permet ainsi de leurrer les gardiens et sauver son maître.

Cette pièce est une pure merveille de création ! Tradition et rupture des codes s’opposent et s’allient pour créer une oeuvre attachante, humoristique et surprenante. Jeu d’acteurs, danses de combat stylisées, éloquence empreinte de force et d’honneur rapprochent cette pièce du traditionnel théâtre kabuki. Mais les cris, la violence des sentiments, la musique J-Pop et électro l’en éloignent malicieusement. Les spectateurs sont immédiatement immergés par la culture nippone. Cette oeuvre transgresse les règles de la société pour proposer une réflexion sur la hiérarchie et les frontières : barrières physiques, sociales, morales et émotionnelles. Une nouvelle démarcation temporelle se crée par la relecture contemporaine de ce thème traditionnel : les personnages se battent sur une musique électro et expriment leur affection sur une musique juvénile de J-POP.

En une phrase, Kanjinchô est une oeuvre hybride qui revisite le théâtre traditionnel kabuki avec des procédés contemporains, tout en s’interrogeant sur la société.

Si cet article vous a plu, je vous invite à en apprendre plus sur les rouages de cette pièce, en cliquant sur ce lien ! N’oubliez pas la saison Japonisme 2018 n’est encore pas terminée. De nombreuses pièces japonaises sont encore proposées …

Les autres spectacles au Centre Pompidou

Image ©Yoshikazu Inoue

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